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Descripción

La sala 1 del Museo Patio Herreriano presenta desde hoy, 1 de julio y hasta el 26 de agosto, un programa que muestra otras formas artísticas de extraordinaria belleza como es la danza y la opera. Una sección de trabajos de dos grandes coreógrafas y bailarinas, como PINA BAUSCH y ANNE TERESA DE KEERSMAEKER. y de un director de escena, como es ROBERT WILSON, cuyas obras sorprenden al mundo cada vez que se muestran, podrán verse.

La danza de la fallecida Pina Bausch cuya compañía sigue presentando sus bellísimas coreografías, o las de Anne Teresa De Keersmaeker, cuya danza pudimos ver en vivo en Valladolid en 1984, se mezclarán con la operas dirigidas por el artistas y director de Escena Robert Wilson al quien también pudimos ver en Valladolid en 2009 en una exposición que lleno tres salas de exposiciones. Las producciones que podrán verse son:

PINA BAUSCH

- WALZER.1982

- CAFÉ MÜLLER. 1985

- AHNEN ahnen. 1987

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER

- FASE. 2002

- ROSAS DANST ROSAS. 1997

- REPETITIONS. 1985

- HOPPLA. 1990

ROBERT WILSON

- PELLEAS ET MELISANDE Debussy. 2013

- ALCESTE. Gluck.1987

- LES FABLES DE LA FONTAINE. de La Fontaine .2007

PINA BAUSCH

PINA BAUSCH. Philippina Baush (Solingen, 1940 – Wuppertal, 2009) fue una bailarina, coreógrafa y directora alemana pionera en la danza contemporánea. Pieza clave en la creación contemporánea, ha sido uno de los estandartes más influyentes de la danza actual. Sus más de veinticinco años de trayectoria profesional como creadora, avalan una carrera de contundentes y prestigiosos trabajos que abarrotan teatros allí donde se muestran, y reflejan el universo y lenguaje tan personal de la coreógrafa, seguido y respetado por compañías y escuelas de medio mundo. Discípula directa de Kurt Joos, comenzó sus estudios de danza a los quince años en la Folkwang de Essen, escuela que este creador y leyenda de la danza dirigía. Allí se graduó y allí volvió años después (tras su paso por Estados Unidos) para bailar primero, y coreografiar y dirigir después, la compañía de danza que surgió de la Folkwang. En USA permaneció Pina durante cuatro años ampliando sus estudios con algunos de los mejores del momento. José Limón, Antony Tudor y Herbert Ross entre otros, abanderaron las enseñanzas de la joven bailarina, en la Julliard School. Data su primera obra coreográfica, Fragment, de 1968. Una pieza creada para el Folkwang Ballet al amparo de Kurt Joos. Y data su propia compañía, hoy en activo, de 1973. Se funda entonces la Tanzatheater Wuppertal y comienza con ella una meteórica carrera creativa. Poco después del nacimiento de la formación, y en tan sólo un año (1974), Pina creó tres obras seguidas, una ópera entre ellas. Pero seguramente fue La consagración de la primavera, estrenada en 1975, la que le dio a conocer a un público más amplio y marcó la carrera de éxitos que vendría después. La popular Café Müller (1978), conocida en parte por su aparición en la película Hable con ella de Almodóvar, Walter (1982), Two cigarettes in the dark (1985), Tanzabed II (1991), Danzón (1995) y la reciente Rough Cut (2005), apenas unos ejemplos de la vasta trayectoria de esta creadora, fallecida de cáncer en 2009.

TRABAJOS QUE PODRÁN CONTEMPLARSE

WALZER:

- Premier mundial: 17/06/1982 Teatro Carré de Ámsterdam

- Coproducida con Holland Festival

- Dirección y coreografía: Pina Bausch

- Diseño de escenario: Ulrich Bergfelder

- Vestuario: Marion Cito

- Puesta en escena: Raimund Hoghe

- Colaboración musical: Matthias Burkert

- Colaboración: Hans Pop

- Película: Frédéric Leboyer

- Música: Franz Schubert, Robert Schumann, música latinoamericana, himnos nacionales y otros.

- Bailarines: Jakob Andersen, Helena Pikon, Hans Pop, Arthur Rosenfeld, Monika Sagon, Jean-Laurent Sasportes, Janusz Subicz, Meryl Tankard, Christian Trouillas, Francis Viet, Nazareth Panadero, Jan Minarik (Jean Mindo), Malou Airaudo, Anne Marie Benati, Bénédicte Billiet, Matthias Burkert, Josephine Ann Endicott, Mechthild Großmann, Urs Kaufmann, Ed Kortlandt, Beatrice Libonati, Vitus Zeplichal.

CAFÉ MÜLLER

- Premier mundial: 20/05/1978 Ópera de Wuppertal

- Dirección y coreografía por Pina Bausch

- Diseño de escenario y vestuario: Rolf Borzik

- Música: Henry Purcell

- Colaboración con: Marion Cito y Hans Pop

- Duración: 40 minutos

- Dirección de los ensayos: Dominique Mercy

- Asistente en la dirección de los ensayos: Bénédicte Billiet

- Bailarines: Helena Pikon, Ophelia Young, Azusa Seyama, Michael Carter, Michael Strecker, Blanca Noguerol Ramírez, Nazareth Panadero, Jonathan Fredrickson, Scott Jennings, Breanna O’Mara, Pau Aran Gimeno

ANHEN

- Premier mundial: 21/03/1987 Schauspielhaus Wuppertal

- Coreografía: Pina Bausch

- Escenario: Marion Cito

- Puesta en escena: Raimund Hoghe

- Colaboración musical: Matthias Burkert

- Colaboración: Hans Pop

- Música: Claudio Monteverdi, John Dowland, Fred Astaire, Ella Fitzgerald, Billie Holiday

- Duración: 2 horas 55 minutos

- Dirección artística: Lutz Förster

- Colaboración de reparto: Ruth Amarante, Bénédicte Billiet

- Saxofón: André Enthöfer

- Helicóptero: Frank Schneider

- Bailarines: Jean-Laurent Sasportes, Franko Schmidt, Azusa Seyama, Julie Shanahan, Julie Anne Stanzak, Michael Strecker, Fernando Suels Mendoza, Aida Vainieri, Anna Wehsarg, Paul White, Helena Pikon, Nazareth Panadero, Cristiana Morganti, Andrey Berezin, Matthias Burkert, Aleš Čuček, Lutz Förster, Ditta Miranda Jasjfi, Scott Jennings, Barbara Kaufmann, Nayoung Kim, Daphnis Kokkinos, Dominique Mercy, Tsai-Chin Yu.

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER

Anne Teresa de Keersmaeker (Malinas, 1960) es una bailarina y coreógrafa belga, una de las mayores figuras de la danza contemporánea a nivel mundial. En 1983 creó Rosas, una compañía de danza que actualmente dirige y en la que ha desarrollado su propio lenguaje coreográfico. Ha fundado también la escuela de danza contemporánea PARTS, puntera a nivel mundial, y entre 1992 y 2007 fue directora del teatro La Monnaie de Bruselas.

Se formó como bailarina en la Tish School of the Arts en Nueva York. Es miembro de la Academia de las Artes de Berlín y de la Real Academia Flamenca de Ciencias y Artes de Bélgica. Ha sido galardonada como Comandante de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura Francés, con la Condecoración de Honor por Servicios a la Ciudad de Viena, el Premio de la Cultura Flamenca o el premio de Danza e Interpretación de Nueva York.

En 1980, después de estudiar danza en Mudra School en Bruselas y en la Tisch School of Arts en Nueva York, Anne Teresa de Keersmaeker (1960) creó Asch, su primera coreografía. Dos años después vino la premier de Fase, Four Movements to the Music of Steve Reich. De Keersmaeker estableció la compañía de danza Rosas en Bruselas en 1893, mientras creaba su trabajo Rosas danst Rosas. Desde estas piezas innovadoras, su coreografía se ha basado en una rigurosa y prolífica exploración de las relaciones entre danza y música. Con Rosas ha creado un cuerpo de trabajo de amplias miras, compenetrando las estructuras musicales y partituras de varios periodos, desde la música más sencilla hasta música contemporánea y popular. Su coreografía abarca también principios formales de geometría, patrones numéricos, el mundo natural, y estructuras sociales para ofrecer una perspectiva única en la articulación del cuerpo en el espacio y el tiempo.

Desde 1992 hasta 2007 Rosas tuvo la sede en la ópera de Bruselas. Durante este periodo, De Keersmaeker dirigió numerosas óperas y piezas que fueron interpretadas por diferentes compañías en todo el mundo.

En 1995 De Keersmaeker fundó la escuela PARTS (Performing Arts Research and Training Studios) en Bruselas en colaboración con La Monnaie. Sus últimas piezas marcan una visible vuelta de sus coreografías a los principios esenciales: restricción espacial a patrones geométricos; parámetros del cuerpo de la generación del movimiento, desde la máxima sencillez del caminar hasta las danzas más complejas; y una cercana fidelidad de la coreografía a la música.

Anne Teresa de Keersmaeker lidera una de las agrupaciones más relevantes de la danza internacional. Se trata de Rosas, emblema de la danza hecha en Bélgica, nacida en 1983 a raíz del espectáculo Rosas danst Rosas que la coreógrafa montó y que hoy día, más de veinte años después de su nacimiento, se sigue representando. De Keersmaeker se formó en la escuela Mudra que dirigía Maurice Béjart y en la New York School of the Arts. Y pronto comenzó a crear incipientes trabajos coreográficos siendo Ash (1980) el primero de ellos y el que ya le otorgó los primeros aplausos. Dos años después montó Fase, four movements to the music of Steve Reich, montaje que le valió un casi inmediato reconocimiento internacional y con el que la creadora belga anunciaba una de las claves de su discurso: la relación entre música y danza, eje central de la mayoría de sus espectáculos. Algunas de ellas son Tocatta (1993), Just before (1997), Keeping still (2007), Zeitung (2008) y The Song (2009). El perfil artístico de Anne Teresa de Keersmaeker es amplio y además de las labores de dirección y creación en su compañía Rosas, también lideró el proyecto P.A.R.T.S. (Performing Arts and Training Studios) reputada escuela internacional que montó en 1995 junto a La Monnaie, todavía hoy en activo, y sinónimo de vanguardia y prestigio. En el cosmos creativo de Keersmaeker también se encuentran obras de teatro y óperas como Duke Bluebeard´s castle (1998) y Hanjo (2004), que la artista ha dirigido.

TRABAJOS QUE PODRÁN CONTEMPLARSE

ROSAS DANST ROSAS:

- Coreografía: Anne Teresa De Keersmaeker

- Creado por: Adriana Borriello, Anne Teresa De Keersmaeker, Michèle Anne De Mey, Fumiyo Ikeda

- Interpretado por: Laura Bachman, Amanda Barrio Charmelo, Léa Dubois, Anika Edström Kawaji, Yuika Hashimoto, Laura Maria Poletti, Soa Ratsifandrihana, Jara Vlaeminckx.

- Música: Thierry De Mey, Peter Vermeersch.

- Músicos: Thierry De Mey, Walter Hus, Eric Sleichim, Peter Vermeersch

- Escenario: Anne Teresa De Keersmaeker

- Iluminación: Remon Fromont

- Vestuario: Rosas

- Producción: 1983-Rosas, Kaaitheater

- Coproducción: La Monnaie/De Munt, Sadler’s Wells (London), Les Théâtres de la Ville de Luxembourg

- Premiere: 6 May 1983, Théâtre de la Balsamine (Brussels)

- Presentación: Kaaitheaterfestival

En 1983, Anne Teresa de Keersmaeker irrumpe en el panorama internacional con Rosas danst Rosas, un espectáculo que desde entonces se convirtió en un punto de referencia en la historia de la danza postmoderna. Rosas danst Rosas se construye sobre el minimalismo iniciado en Fase (1982): movimientos abstractos que constituyen la base de una estructura coreográfica construida a partir de capas in la que la repetición juega un papel fundamental. La intensidad de estos movimientos se contrarresta con pequeños gestos cotidianos. Rosas danst Rosas es inequívocamente fémina: para que bailarinas bailen para ellas mismas una y otra vez. El agotamiento y constancia que viene con ello crea una tensión emocional que contrasta notablemente con la rigurosa estructura de la coreografía. La repetitiva música "maximalista" de Thierry De Mey y Peter Vermeersch fue creada junto con la coreografía.

HOPPLA:

- 1989, 16 mm, 52’, color.

- Director: Wolfgang Kolb

- Coreografía: Anne Teresa de Keersmaeker

- Bailarines: Anne Teresa de Keersmaeker, Jean-Luc Ducout, Nadine Ganase, Roxane Huilmand, Fumiyo Ikeda, Johanne Saunier.

- Música: Béla Bartók (Mikrokósmos, Seven Pieces for two Pianos, Quator Nº4)

- Música interpretada por: Walter Hus, Stefan Poelmans, Mondriaan Kwartet

- Director de fotografía: Philippe Maendly

- Edición: Rudi Maerten

- Cámara: Remon Fromont, Philippe Guilbert, Philippe Maendly

- Sonido: Rocardo Castro

- Producción: A.O. productions

- Coproducción: Kaaitheater, Rosas, La Sept, and Arcanal & Zed ltd. En colaboración con Channel 4, NDR, NCS, Théâtre de la Ville, and RTBF

- Patrocinado por: the Ministry of the Flemish Community, Le Cargo Grenoble, BRTN

- Premios: Solo d'Oro, Primer premio en el 5º Festival Internacional de Video y Televisión de Riccione TTVV (1989). Grand Prix Dance Video, Festival of Sète (1989)

Hoppla! Es la versión en film de dos de las coreografías de Keersmaeker para la música de Béla Bartók (Quatuor Nº4, 1986 y Mikrokosmos, 1987). El film fue rodado en la biblioteca de la Universidad de Gante (arquitecto: Henry Van de Velde).

FASE, CUATRO MOVIMIENTOS PARA LA MÚSICA DE STEVE REICH

Fase, Four Movements to the Music of Steve Reich, es el primer espectáculo de la coreógrafa Anne Teresa De Keersmaeker, estrenada en 1982. Fase consta de tres duetos y un solo, coreografiada por cuatro composiciones repetitivas por el minimalista americano Steve Reich. De Keersmaeker usa la estructura de la música de Reich para desarrollar un movimiento independiente que no simplemente ilustra la música, también le añade una nueva dimensión. Tanto la música como la danza comienzan con un principio de la fase de movimiento a través de pequeñas variaciones: movimientos que están perfectamente sincronizados en inicio gradualmente empiezan a patinar y resbalar, resultando un ingenioso juego de formas y patrones que cambian constantemente.

Coreografía: Anne Teresa De Keersmaeker

Creado con: Jennifer Everhard (Come Out) Michèle Anne De Mey (Piano Phase, Clapping Music)

Interpretado por: Anne Teresa De Keersmaeker, Tale Dolven

Música: Steve Reich- Piano Phase (1967), Come Out (1966), Violin Phase (1967), Clapping Music (1972)

Iluminación: Mark Schwentner (Violin Phase & Come Out), Remon Fromont (Piano Phase & Clapping Music)

Vestuario: Martine André & Anne Teresa De Keersmaeker

Producción: 1982-Schaamte (Brussels), Avila (Brussels), 1993-Rosas & De Munt / La Monnaie (Brussels)

Coproducción: Sadler's Wells (London), Les Théâtres de la Ville de Luxembourg

Premiere: 18/03/1982, Beursschouwburg (Brussels)

RÉPÉTITIONS

- Director: Marie André.

- Coreografía: Anne Teresa De Keersmaeker.

- Editor: Marie André.

- Cámara: Yves Cremer, Luc Beriot.

- Sonido / Mezcla: Paul Delnoy.

- Bailarines: Fumiyo Ikeda, Michele-Anne De Mey, Nadine Ganase, Roxane Huilmand, Anne Teresa De Keersmaeker.

- Producido por Image Vidéo, Centre Bruxellois de l'Audiovisuel, Schaamte, Polygone.

La fascinación de André con la elocuencia y la importancia de los gestos cotidianos, particularmente los de las mujeres, encuentra su correlato perfecto en la coreografía de Anne Teresa De Keersmaeker. Durante un período de seis meses, André grabó el grupo de baile de De Keersmaeker, Rosas, mientras los miembros ensayaban y desarrollaban la pieza "Elena's Aria", en la que los movimientos ordinarios son aislados y transformados. En Répétitions, la interpretación rítmica de André, observa la intensidad y la concentración de las bailarinas al repetir una serie de movimientos gestuales, precisos, tomados de la vida cotidiana: cepillarse el pelo hacia atrás; cruzando sus piernas; sentándose La repetición y el ensayo son el tema y la estructura de este elegante trabajo, ya que André documenta la progresión de los ensayos y celebra el proceso, más que la producción final, de la danza.

ROBERT WILSON

Robert Wilson (Waco, 1941) es un director de escena de vanguardia y dramaturgo que abarca prácticamente la totalidad de las facetas del mundo del teatro. Dirige obras de teatro, óperas, encargándose también de los guiones y los textos, diseña escenografías e iluminaciones, pinta, esculpe y trabaja con sonidos. Es licenciado en arquitectura, pero su mundo es el teatro y el espectáculo de vanguardia.

Desde finales de la década de los sesenta, las producciones de Robert Wilson han adquirido la forma definitiva de teatro y ópera. A través de su distintivo uso de la luz, sus investigaciones en la estructura de un simple movimiento y el clásico rigor de sus escenas y diseño de accesorios, Wilson ha articulado constantemente la potencia y originalidad de su visión. Las estrechas relaciones y colaboraciones de Wilson con artistas punteros, escritores y músicos siguen fascinando a la audiencia del mundo entero.

Después de sus estudios en la Universidad de Texas y en el Instituto Pratt de Brooklyn, Wilson fundó el grupo de interpretación "The Byrd Hoffman School of Byrds" a mediados de los sesenta, y desarrolló sus primeros trabajos reconocibles, incluyendo Deafman Glance (1970) y A Letter for Queen Victoria (1974-1975). Junto con Philip Glass escribió la trascendental Einstein on the Beach (1976).

Las colaboraciones artísticas de Wilson incluyen numerosos escritores y músicos como Heiner Müller, Tom Waits, Susan Sontag, Laurie Anderson, William Burroughs, Lou Reed y Jeesye Norman. También ha dejado su huella en obras maestras como Beckett’s Krapp’s Last Tape, Puccini’s Madama Butterfly, Debussy’s Pelléas et Melisande, Brecht/Weill’s Threepenny Opera, Goethe’s Faust, Jean de la Fontaine’s Fables y Homer’s Odyssey.

Los dibujos, pinturas y esculturas de Wilson han sido presentados alrededor del mundo en numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas, y sus obras se encuentran en colecciones privadas y museos por todo el mundo.

Wilson ha sido galardonado con numerosos premios a la excelencia, incluyendo una nominación al premio Pulitzer, dos premios Ubu, el León de Oro de la Bienal de Venecia y un premio Olivier. Ha sido elegido para la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, así como para la Academia Alemana de las Artes. Francia lo nombró Comandante de la Orden de las Artes y las letras (2003) y Oficial de la Legión de Honor (2014); Alemania le reconoció con la Cruz federal al Mérito (1014). Wilson es el fundador y director artístico de The Watermill Center, un laboratorio de artes en Water Mill, Nueva York. www.robertwilson.com

"Penetrar en el bosque de la experiencia teatral es en Wilson, ante todo, dejar de pensar literariamente, dejar de confundir la escena con el espacio literario. Se trata de una confusión que estaría representada por el teatro naturalista, en el que se acostumbra a ofrecer una historia que sigue el hilo de la palabra y hace de la emoción su realce visual. En este teatro, en el que la palabra construye el camino a recorrer, la experiencia quedaría agotada en el recorrido visual y sonoro de un lenguaje que se impone al espectador. En el teatro naturalista se asistiría a la manifestación del sentido y a la evacuación de toda experiencia que no remitiera a ese sentido.

Para Wilson, penetrar en el bosque de la escena teatral es, en cambio, abordar un pensamiento formal, es pensar abstractamente. El pensamiento abstracto debe permitir crear un vocabulario nuevo para una escena agotada con la palabra.

El teatro de Wilson, si puede ser calificado de teatro ilusionístico, es en buena medida porque entiende que todo teatro lo es, se quiera o no.

En el teatro de Wilson el espectador puede construir su propia pantalla audiovisual, su fantasía. El espectador no espera nada, mira y escucha los recorridos de la pantalla audiovisual. Un recorrer semejante para Wilson, al que se realiza cuando se está en un museo. Por eso sus obras se ofrecen como los cuadros en un museo, como sus exposiciones, dejando el tiempo necesario para ver. Ver la obra como un cuadro, como una multiplicidad de cuadros que se ofrecen al ensueño de la mirada, una ensoñación que la noche acrecienta."

- PELLEAS ET MELISANDE

- Ópera por Claude Debussy, libreto por Maurice Maeterlinck.

- Premier: 7 de febrero de 1997 en la Ópera de París.

- Premier el 21 de julio de 1997 en el Festival de Salzburgo.

- Interpretada en Francia.

"Antes de descubrir la obra de Maeterlinck, Debussy dijo de la ópera que soñaba componer:" La música comienza cuando las palabras son impotentes para expresar; la música es perfecta para lo inexpresable; Me gustaría que parezca salir de las sombras y, a veces, volver, siempre discreto ". Gracias a los personajes de Maeterlinck, a su lenguaje muy preciso y muy vago, tan cruel y tan apto, Debussy pudo darse cuenta el drama de sus sueños Un fatídico encantamiento domina el castillo de Allemonde. Tan pronto como Golaud encuentra a Mélisande en el bosque y la lleva al reino de sus antepasados, no pueden salir, encadenados a un lugar que, sin embargo, no pertenece a ninguna parte. El castillo está atormentado por la desolación y la decadencia. El parque parece estar muriendo bajo el peso de la oscuridad invisible. El sol apenas logra abrirse paso y arrojar luz sobre la fuente milagrosa pero abandonada que solía sanar los ojos de los ciegos y cuyas aguas parecen no tener fondo. Desde las paredes se puede ver el mar y, finalmente, el cielo despejado. Pero también hay túneles subterráneos que conducen al centro de la tierra, de repente nos recuerdan que siempre estamos caminando sobre abismos ". Ópera Nacional de París

ALCESTE

Artistas: Anne Sofie von Otter (Alceste), Paul Groves (Admète), Dietrich Henschel (Grand Prêtre d'Apollon/Hercule), Yann Beuron (Evandre), Ludovic Tézier (Un Héraut/Apollon), Frédéric Caton (La voix de l'Oracle/Dieu infernal)

Monteverdi Choir & English Baroque Soloists, John Eliot Gardiner (conductor) & Brian Large (director)

Orchestre révolutionnaire et romantique, Monteverdi Choir. John Eliot Gardiner, direction.

Robert Wilson, mise en scène.

Rebelándose contra las óperas cada vez más formuladas de la época, la ópera "reformista" de Christoph Willibald Gluck, Alceste (1767), fue un intento exitoso de regresar a una forma más pura de drama musical. Es muy apropiado que esta producción de 1999 de la versión revisada de 1776 en París sea dirigida por Sir John Eliot Gardiner, con English Baroque Soloists y Monteverdi Choir, las mismas fuerzas responsables de muchas actuaciones finas de Bach enfatizando igualmente el carácter y el texto. Al establecer la trágica historia del profundo amor entre la Reina Alceste y su esposo, el Rey Admète, Gluck brindó una veintena de belleza austera y desgarradora.

Los directores Anne Sofie von Otter y Paul Groves dominan la producción tanto por el poder de su actuación como por su destreza musical. Las escenas principales son electrizantes en su intensidad emocional. En contraste con este realismo psicológico, están los diseños sencillos de inspiración griega de Robert Wilson. Las formas geométricas y silueteadas se deslizan con gracia a través de los movimientos a cámara lenta de los actores, aportando una cualidad hipnótica y de ensueño al trabajo. La iluminación azul casi constante agrega una sensación de tranquilidad a altas horas de la noche, dando al escenario un aspecto muy distintivo y una sensación de dislocación en el espacio y el tiempo. Ambos, escalofriante y edificante, este Alceste es un triunfo. --Gary S. Dalkin,

LES FABLES DE LA FONTAINE

- Basado en la antología de Jean de la Fontaine

- Música: Michael Galasso

- Vestuario: Moidele Bickel

- Premier el 30 de enero de 2004 en el teatro nacional de la Comédie-Française de París.

"Fables, una maravilla de sabiduría, sutileza, simplicidad elegancia y diversión en un bestiario encantado más mágico todavía por las máscaras –ratón, cuervo, rana, mono, zorro, ciervo, león- portadas por los actores que presentan a estos animales". Maria Shevtsova en su libro "Robert Wilson" (2007)